Diese Rubrik der Website ist durch einen Zufall entstanden. Ich hatte einen Social-Media-Beitrag geschrieben, der die Grenze von 1.250 Zeichen überschritt und sich deshalb nicht veröffentlichen ließ. Statt ihn obdachlos zurückzulassen, habe ich ihm hier einen Platz gegeben. Seitdem erscheinen in regelmäßig unregelmäßigen Abständen Gedanken zu verschiedenen Themen.
Dieses Mal geht es um immersiven Sound, und es warten 6.183 Zeichen darauf, gelesen zu werden. Falls Dich diese Zahl noch nicht abgeschreckt hat, mach Dir einen Kaffee, lehn Dich zurück und viel Spaß beim Lesen.
Falls Du selbst ein Mehrkanal-Audio-Projekt ausprobieren möchtest, findest Du am Ende außerdem eine kurze Anleitung, die mein Setup in Ableton Live zeigt.
Immersive Sound
Was wollen wir hören?
Vor ungefähr zehn Jahren habe ich viele audiovisuelle Performances gesehen, live und als Jurymitglied eines Festivals. Das war eine Zeit, in der Visuals zunehmend generativ durch programmierten Code erzeugt wurden und zumeist audioreaktiv waren. Also nicht mehr die klassischen geloopten Samples, die im Beat über einen MIDI-Controller manuell getriggert und mit Effekten gemixt wurden.
Was ich damals oft schade fand, war, dass ein Großteil dieser Performances nicht über die Technik oder einen Showcase des Programmcodes hinausging. In den ersten fünf Minuten denkt man als Zuschauer: „Wow, das sieht toll aus!“ Nach zehn Minuten fragt man sich, ob da noch mehr kommt. Nach weiteren zehn Minuten fängt man an, unruhig auf seinem Platz hin- und herzurutschen. Und nach dreißig Minuten fühlt man sich langsam seiner Lebenszeit beraubt. Hin und wieder wird man sogar ärgerlich darüber, im Publikum gefangen zu sein, weil man zu höflich ist, die Künstlerin oder den Künstler und den Rest des Publikums zu stören, indem man sich mühsam durch die Sitzreihen hinauswindet. Mein Gedanke war dann immer: „Du hast wirklich tolle Visuals, aber was willst Du uns damit erzählen? Für den Fall, dass Du gar keine Message hast, was auch völlig okay wäre: Hast Du dann aber wenigstens schon mal etwas von Dramaturgie gehört?“
Die damalige Entwicklung ist in meinen Augen ein wenig vergleichbar mit der des immersiven Sounds heute. Auch hier ermöglichen die fortschreitende technologische Entwicklung, günstigere Hardwarepreise und leistungsstärkere Computer, dass die Technik und damit auch immersive Shows immer mehr Verbreitung finden. Das ist eigentlich begrüßenwert und erfreulich. Aber auch hier besteht das Risiko, dass die Technik in den Vordergrund rückt – und nicht die Musik oder Komposition eines Künstlers. Oder „immersiv“ wird zu einem weiteren Marketing-Schlagwort, das dem Publikum kaum einen Mehrwert bietet. Wenn das Erlebnis nicht hält, was es verspricht, kann die Faszination schnell in Enttäuschung umschlagen.
Natürlich kann ein rein mediales oder technisches Erlebnis seinen Reiz und Legitimation haben. Ein immersives Sounderlebnis kann auch die moderne Version einer Achterbahnfahrt im Vergnügungspark der 80er-Jahre sein. Die Menschen haben sich schon immer nach Abenteuern und Aufregung gesehnt. Eine Achterbahnfahrt ist aber kurz, und sogar die Streckenführung ist vergleichbar mit einer Choreografie, die von ihren Machern wohlüberlegt ist. Weder fährt man sofort in den größten Looping, noch dauert die Fahrt dreißig Minuten. Sonst müssen sich die Passagiere irgendwann entweder übergeben oder fangen an, sich an das Gefühl eines mit 3 g belasteten Körpers im Looping zu gewöhnen … und es wird langweilig.
Das selbe gilt auch für den Wellness- oder medizinischen Bereich, wo Menschen Entspannung oder Heilung suchen. Auch hier sollte ein immersives Sounderlebnis eine Spannungskurve haben. Der Sound wird wahrscheinlich zunehmend langsamer und ruhiger und dann zum Schluss wieder aktiver, um den Patienten aufzuwecken. Quasi das Gegenteil von einem EKG-Test auf dem Fahrrad beim Arzt, der auch nicht sofort bei 100 % Belastung anfängt, sondern sich langsam steigert, damit einem nicht gleich schon am Anfang die Puste ausgeht.
Bei all der technischen Begeisterung sollten wir also weder den künstlerischen Inhalt noch die Grundregeln einer guten Show vernachlässigen. Zur besseren Verständlichkeit und um zu illustrieren, was ich meine, vereinfachen wir mal die Technik und nehmen als Beispiel einen Lichttechniker, der mit einem DMX-Signal ein RGB-Licht steuert. Er würde auch nicht dauerhaft Rot, Grün und Blau gleichzeitig leuchten lassen. Dann haben wir nämlich ein helles, weißes und irgendwann langweiliges Licht auf der Bühne. Stattdessen wird er versuchen, mit den einzelnen Farben eine Atmosphäre zu erzeugen und mit seinem Licht die Musik zu untermalen, um Emotionen zu verstärken. Manchmal wird er das Licht vielleicht sogar ganz dimmen, damit der Kontrast größer wird und die Augen umso lichtempfindlicher sind, bevor das grelle, weiße Licht für die Höhepunkte der Show aufblitzt. Ansonsten hätte er wahrscheinlich auch seinen Beruf verfehlt und sollte lieber in die Lampenherstellung wechseln.
Sorry, das klang vielleicht ein wenig böse, aber so war es nicht gemeint. Ich habe selber lange Zeit als Techniker gearbeitet und größten Respekt vor dem Metier. Was wäre die Menschheitsgeschichte ohne Techniker, Wissenschaftler, Programmierer und Erfinder, die durch ihre Neugier, Ideen und Imagination die Entwicklung von neuen Dingen vorangetrieben haben? Menschen, die eine Vision hatten und, fast wie davon besessen, all ihre Energie und Zeit in das zuvor noch Unmögliche investierten. Jene, die an die Grenzen des Machbaren in ihrer Zeit gegangen sind und diese durch Einfallsreichtum und Improvisation nicht nur gedehnt, sondern verschoben haben.
Ich glaube, Künstler und Techniker haben sehr viel gemeinsam. Beide folgen einer Vision mit viel Leidenschaft und Idealismus für ihre Tätigkeit. Und wenn sie ihre Ideen gemeinsam weiterentwickeln, kann dabei eine Erfahrung entstehen, die keiner allein hätte schaffen können. Nehmen wir zwei filmische Beispiele: Bernard Herrmann gab Hitchcocks Bildern einen Klang, der zum Beispiel die Duschszene von Psycho bis heute prägt. Der Techniker Douglas Trumbull entwickelte für Kubricks 2001 eine Technik, die es in der damaligen Zeit überhaupt erst ermöglichte, für die bekannte Stargate-Szene eine künstlerische Bildsprache zu entwickeln und Kubricks Vorstellung einer Reise ins Unbekannte sichtbar zu machen.
Ich habe bisher nur einmal mit Multikanal-Sound gearbeitet, in einem Theater. Acht Lautsprecher, um das Publikum verteilt, hatte ich zur Verfügung. Der Trick war, dass das Publikum das nicht wusste. So ließ ich zum Beispiel zweimal kurz hintereinander ein Handy in den letzten Sitzreihen klingeln. Ich gebe zu: ein alter und etwas abgedroschener Theatertrick. Aber es hatte einen Grund, warum wir das gemacht haben. Der arme, davon gestörte Moderator, der auf der Bühne sowieso schon von einer zunehmend frecher werdenden KI-Co-Moderatorin genervt wurde, sollte Sympathiepunkte beim Publikum bekommen. Wir wollten, dass das Publikum auf seiner Seite ist. Es war also eine dramaturgische Entscheidung, dies zu tun.
Anschließend nutzte ich einen hypnotischen, um das Publikum kreisenden Sound, um eine in der Geschichte erzählte tranceartige Hibernation zu illustrieren, in die das Publikum versetzt werden sollte, um eine Reise durch das Weltall zu überleben. Später trafen Gesteinsbrocken das Raumschiff und schrappten langsam von vorne bis zu den hinteren Lautsprechern an der gesamten Außenwand entlang. Nach der Show sagte mir die kleine Tochter einer Kollegin, die im Publikum saß, dass sie in dem Moment ein bisschen Angst bekommen hatte. Das war ein großes Kompliment. Wir hatten es geschafft, mit der Audiotechnik die Realität zu imitieren und eine Illusion zu erzeugen. Natürlich waren sich alle im Publikum darüber im Klaren, dass sie nicht in einem Raumschiff durch das Weltall flogen und in ihren Theatersitzen zufälligerweise in einen Meteoritenschauer geraten waren. Aber trotzdem waren die Anspannung und Nervosität da, wie in einem guten Film, nur eben allein in der Fantasie.
Und Fantasie ist wohl das Keyword. Ohne sie können Autoren keine guten Geschichten schreiben, Künstler keine Bilder malen, Musiker keine Songs komponieren und das Publikum diese Werke nicht enthusiastisch erleben. Zudem würden Erfinder, Techniker und Programmierer keine Ideen haben und Lösungen dafür finden.
Technik sollte also nur eine Zutat sein. Und wie beim Kochen kann die richtige Menge Salz ein Essen zu einem kulinarischen Erlebnis machen und zu viel davon es verderben. Und in manches Essen sollte man gar kein Salz geben, denn es schmeckt ohne besser.
Mehrkanal-Audio-Setup in Ableton Live mit Surround Panner (Max for Live)
Falls Du selbst ein Projekt mit vier, sechs oder acht Audiokanälen in Ableton Live ausprobieren möchtest, habe ich eine kurze Videoschleife vorbereitet, die mein Setup für die Performance The Gathering zeigt. Schalte den Ton ein, um es in Aktion zu hören. Beachte dabei, dass in dieser Stereoaufnahme nur die Kanäle 1 und 2 hörbar sind.
Voraussetzungen
- Ableton Live Suite oder Live Standard mit einer zusätzlichen Max-for-Live-Lizenz.
- Ein Audiointerface mit genügend separaten Audioausgängen für Deine Lautsprecher.
- Lade das kostenlose Max-for-Live-Device Surround Panner herunter.
Kurzanleitung
- Schließe Dein Audiointerface an Deinen Computer an und verbinde Deine Lautsprecher mit den Ausgängen des Interfaces.
- Aktiviere in Ableton Live unter Einstellungen → Audio → Ausgangskonfiguration die Stereo-Ausgangspaare, die Du verwenden möchtest.
- Erstelle für jedes Lautsprecherpaar eine Audiospur. Für das hier gezeigte Setup mit acht Lautsprechern verwende ich vier Spuren: Front, Right, Back und Left.
- Stelle bei diesen Spuren Monitoring auf In und Audio To auf Ext. Out. Wähle anschließend unter Output Channel das entsprechende Stereo-Ausgangspaar.
- Erstelle eine Spur für Dein Instrument oder Audio-Sample und füge Surround Panner hinter dem Instrument beziehungsweise der Audioquelle ein.
- Wähle in Surround Panner Deine Lautsprecherkonfiguration und weise jedem Ausgangspaar die entsprechende Zielspur zu – zum Beispiel 1/2 → Front.
- Klicke und ziehe im Panning-Display, um Deinen Sound zu positionieren. Befindet sich der orangefarbene Punkt in der Mitte, wird der Sound auf alle Lautsprecher verteilt. Je weiter Du ihn in Richtung eines bestimmten Lautsprechers bewegst, desto stärker konzentriert sich der Klang dort.
Für die Performance habe ich das Vorgängermodell des Audiointerfaces MOTU UltraLite-mk5 verwendet. Aber jedes andere Audiointerface mit genügend Ausgängen sollte genauso gut funktionieren.
Falls Du noch etwas mehr Anleitung brauchst, findest Du hier ein kurzes Videotutorial, das ich auf YouTube entdeckt habe.
